Tom Benjamin, Ein Führender Künstler, Tutor Und Mitglied Der Cloud Appreciation Society, Erklärt Seine Methoden Zur Schnellen Und Effizienten Erfassung Wechselnder Lichtverhältnisse.
1. WÄHLEN SIE IHRE MATERIALIEN Diese leuchtenden Farben sind meine bevorzugte Farbpalette. Ich bevorzuge es, meine eigenen Braun- und Grautöne zu kreieren. Es ist ein Ansatz, der von den Impressionisten verwendet wird, und ich finde, wenn ich die subtileren Farben selbst mischen muss, muss ich genauer auf die wahre Farbe eines Motivs achten, insbesondere in den Schatten. Es ist wichtig, mit den Farben in Ihrer Palette vertraut zu sein, sowie mit ihrer Stärke beim Mischen und ihrer relativen Deckkraft. Lange Flachpinsel sind meine bevorzugte Methode zum Auftragen von Farbe. Ich habe das Gefühl, dass ich dadurch die größtmögliche Vielfalt erzielen kann. Ich benutze selten ein Spachtel, um Farbe aufzutragen. Ich verwende Terpentin, um die Farbe zu verdünnen, und füge dann nach jeder Sitzung das Malmedium des Künstlers hinzu. Dadurch kann die Farbe glatter über die vorherigen Schichten fließen und die Rissbildung wird verringert. Wenn es nicht zu windig ist, Wenn ich draußen arbeite, nehme ich einen großen Regenschirm mit. Es ist wichtig, dass Sie sehen können, was Sie tun. Direkte, gesprenkelte und stechende Sonne muss vermieden werden. An einem windigen Tag befestige ich meine Staffelei mit Abspannleinen oder drücke die Beine in die Erde.
2. HELL UNTERLACKIEREN
Die Untermalung erfolgte mit einer Mischung aus Ockergelb und Magenta. Die Farbe wird mit Terpentin verdünnt und sehr dünn aufgetragen. In diesem Stadium möchte ich schnell die Hauptlinien der Komposition festlegen. Die Farbe der Untermalung spielt eine entscheidende Rolle für das endgültige Gemälde. Es scheint durch andere Farben und zeigt sich an bestimmten Stellen im Bild. Warme Farben können als Gegengewicht zum grellen englischen Licht nützlich sein. Es ist wichtig, zu versuchen, die richtige Menge an Untermalung zu verwenden. Zu wenig kann zu fehlender Struktur und schlammigen Farben führen, da bei dickerer Farbe erst spät nachgebessert werden muss; zu viel riskiert, die Lebensdauer des Bildes zu vernichten und reduziert spätere Phasen auf einfaches Ausmalen. Versuchen Sie immer, mit einer dünnen Mischung zu untermalen, die kein Weiß enthält, da sie schnell trocknet und sich leichter übermalen lässt.
3. HERGESTELLTE VERBINDUNGEN
Ich habe eine warme Mischung aus Ockergelb und Titanweiß sowie ein wenig Ultramarin verwendet, um eine Serie im Himmel zu erstellen. Die gleiche Farbe wurde für die warmen Brauntöne im Wald verwendet. In diesem Stadium wollte ich einfache Verbindungen zwischen den Farben und Tönen herstellen, anstatt einen bestimmten Bereich genau zu beobachten und zu versuchen, ihn zu kopieren. Ich habe dann ein paar der Grüntöne gemischt, die ich am Himmel sehen konnte, und diese ebenfalls dünn aufgetragen. Für den größten Teil des Fortschritts eines Gemäldes versuche ich, eine Farbe aus einer Farbe zu machen, die ich gerade verwendet habe. Dadurch kann ich mich auf die Beziehungen zwischen Farben konzentrieren und nicht darauf, wie jede einzelne kopiert werden sollte.
4. FORM ENTWICKELN
Nachdem ich warme Farben aufgetragen hatte, musste ich sie mit einigen meiner kühleren Tönen ausgleichen. Um die Frostschatten auszugleichen, habe ich eine blaue Waschung verwendet, um die warme Horizontfarbe zu waschen. Beachten Sie hier, wie die Pinselstriche eine offene Struktur mit Zwischenräumen haben; Dies hilft, die Form im Bild festzulegen, wie im Vordergrund zu sehen ist, wo die Richtung der Markierungen begonnen hat, die Ebenen des Landes anzuzeigen, die sich von uns entfernen.
5. BEACHTEN SIE DIE FARBEN
Die Kontraste zwischen warmen und kühlen Farben wurden durch den niedrigen Sonneneinfall verstärkt. Die Gräser auf dem Boden waren an Stellen warm, wo die Sonne durch sie schien, und kalt, wo sie sich widerspiegelten. Ich ziehe es vor, Bilder Farbe für Farbe zu bauen, anstatt Objekt für Objekt. Auf diese Weise kann ich für jede Farbe, die ich auf meinem Pinsel habe, die richtigen Stellen finden. Ich finde es auch nützlich, ein Motiv in Bezug auf vier Hauptlichtarten zu betrachten: tiefe Schatten, Schatten, Mitteltöne und Glanzlichter. Mitteltöne sind die Bereiche, in die direktes Sonnenlicht fällt. Hier konzentrierte ich meine Pinselführung in diesem Gemälde.
6. DEFINIEREN SIE DIE SCHATTEN
In jeder Phase eines Gemäldes richtet sich die nächste Arbeit danach, was das Gemälde selbst am dringendsten benötigt. Hier wurden mehr Dunkelheiten hinzugefügt, um sowohl im Vordergrund als auch im Wald Struktur aufzubauen. Die Dunkelheit bestand aus Hauptschatten und tiefen Schatten. Die Sonne schien nicht direkt auf die Schatten, sondern ein sekundäres Licht wurde auf sie reflektiert. Aus diesem Grund erscheinen die Hauptschatten bei Frost oder Schnee so blau, dass sie blaues Licht vom Himmel reflektieren. Die tiefen Schatten sind jene Stellen, an denen wenig oder kein Sekundärlicht vorhanden ist. Warme Farben in tiefen Schatten können den Eindruck erwecken, dass das Gemälde von intensiv hellem Licht beleuchtet wird.
7. SUCHEN SIE NACH FARBIAS
Eine weitere Struktur wurde in diesem Stadium hinzugefügt. Wenn in einem Gemälde genügend Mittel- und Dunkeltöne festgelegt sind, wird es möglich, die Beziehung zwischen den Lichtern am Himmel und dem sonnenbeschienenen Reif zu beurteilen. Vermeiden Sie am besten reines Weiß, da es in der Natur nicht vorkommt. Stellen Sie sich die hellen Farben im Gemälde am besten als helle Grautöne vor. Betrachten Sie die Farbabweichung des Graus. Ist es eher gelb oder rosa? Wenn Sie sich nicht sicher sind, versuchen Sie es mit zwei oder drei anderen Farben aus Ihrer Sicht zu vergleichen.
8. FÖRDERN SIE OPTISCHE MIXES Das
Entwickeln des Gemäldes durch gebrochene Berührungen verschiedener Farben ermutigt den Betrachter, die Farben im fertigen Gemälde optisch zu mischen. Das kann daran liegen, dass verschiedene Farbtöne mit ähnlichem Ton nebeneinander sitzen oder es kann auch in einem streifigen Pinselstrich auftreten, wenn eine Farbe über eine andere gezogen wird. Die Untermalung sollte die Formen der Landschaft erforschen. Dieses Detail zeigt jedoch, dass die Pinselstriche verwendet wurden, um die Form anzudeuten, anstatt die Lücken auszufüllen. Das Zeichnen (oder das Erforschen und Verstehen von Form und Form) war Teil der Entwicklung der Farbbeziehungen in den Gemälden, nicht als eigenständiges Anliegen.
9. LETZTER SCHLIFF
Das endgültige Gemälde wird dicke und dünne Farbe nebeneinander haben. Um dunklen Tönen Schatten und Tiefe zu verleihen, habe ich dünnere, durchscheinende Farben darauf aufgetragen, während ich auf hellere Töne mehr Farbe aufgetragen habe. Sie können Weiß hinzufügen, um eine Farbe abzukühlen. Wenn das nicht das ist, wonach Sie suchen, müssen Sie möglicherweise etwas Gelb hinzufügen. Ölfarbe hat die einzigartige Fähigkeit, ihre Textur und ihren Charakter beizubehalten und sich gleichzeitig mit anderen Strichen zu kombinieren, um das Aussehen eines Baumes oder einer Schneefläche zu erzeugen. Ölfarbe kann weiter erforscht werden, indem abwechselnd dicke, flüssige Striche oder trockene, gezogene Linien verwendet werden. Versuchen Sie, den Pinsel so leicht wie möglich zu halten, dann werden Sie feststellen, dass Sie eine Farbe über eine andere legen können, ohne dass die beiden Farben verschmelzen. Ich finde, dass ich nur dann, wenn ich direkt vor einem Motiv arbeite, ein intuitives Gefühl dafür habe, welche Textur der Pinselstrich haben soll.
