Wenn Sie Eine Helle Aquarellszene Erstellen Möchten, Ist Es Verlockend, Die Dunkleren Farben Zu Vermeiden. Fbio Cembranelli Weist Darauf Hin, Dass Kühle Schatten Ein Toller Kontrast Sein Und Ihre Bilder Wirklich Zum Singen Bringen Können.
Aquarelle mit starken Kontrasten reizen mich, weil sie einen starken Eindruck auf den Betrachter hinterlassen. Daher glaube ich, dass Schatten und dunkle Farben eine wichtige Rolle dabei spielen, Spannung in Gemälden zu erzeugen.
Meine Hauptmotive sind Blumen, aber ich male auch gerne Türen, Tore und Eingänge. Tatsächlich wurde mir klar, dass ich mich nicht direkt von den architektonischen Elementen angezogen fühle, sondern eher von den Schatten, die sie werfen, und der Art und Weise, wie sie arbeiten können, um den Brennpunkt zu verstärken. In Light and Shadows at Lucca habe ich einen Vordereingang mit scharfen Kanten und definierten Schatten gemalt. Mein erster Schritt bestand darin, interessante Schatten- und Lichtmassen zu zeichnen, um meiner Malerei Kraft und Solidität zu verleihen.
Meine dunkelsten Schatten wurden mit Ultramarine Violet und Paynes Grey und etwas Sepia gemacht. Nachdem Sie eine Schattenfarbe ausgewählt haben, ist es wichtig zu verstehen, wie sie zum Rest des Gemäldes passt: Es gibt viele Grün- und kräftige Rottöne in meiner Komposition, das bedeutet, dass meine allgemeine Farbtemperatur warm ist und ich in diesem Fall eine kühle verwende Schatten (Mischung von Ultramarine Violet mit etwas warmem Sepia oder Alizarin Crimson). Das Erstellen einer warmen Form mit einem kühlen Schatten kann helfen, die Augen des Betrachters auf den Brennpunkt zu lenken. Lerne, Schatten in deinem Bild zu verwenden.
Einzelheiten zu Fbios-Workshops und Malferien finden Sie unter fcembranelli.blogspot.co.uk
1. Materialauswahl
Ich beginne damit, meine Wasserfarben aus den Tuben in eine tragbare faltbare Plastikpalette zu drücken. Ich male am liebsten mit Pigmenten aus der Tube, da sich die cremige Konsistenz besser verarbeiten lässt. Meine Pigmentauswahl ändert sich ständig, aber im Allgemeinen vermeide ich deckende Farben.
Ich habe verschiedene Flach- und Rundpinsel mit scharfen Kunstfaserspitzen. Eine Rigger-Bürste ist immer griffbereit, um Ausbesserungen vorzunehmen. Manchmal, wenn ich Blätter oder Bäume male, verwende ich auch einen synthetischen Fächerpinsel.
2. Hell Einblocken
Nachdem ich eine helle Bleistiftzeichnung auf meinem gespannten Aquarellpapier angefertigt hatte, begann ich mit der Arbeit am Hintergrund mit einem Nr. 14-Mopppinsel, der mit einer leichten, kühlen Mischung aus Kobaltblau, Rohem Siena und Chinacridongold beladen war. Ich mache es sorgfältig, da es sehr wichtig ist, die Farben in diesem Stadium sauber und hell zu halten. Wenn Sie an dieser Stelle einen zu dunklen Hintergrund festlegen, kann dies die zweite Lavierungsschicht beeinträchtigen, zu der auch die grünen Blätter und roten Blumen an der Wand gehören.
3. Schichte Die Waschungen
Hier habe ich eine Reihe sehr feuchter Hintergrundwaschungen mit warmen Farben wie Burnt Sienna und Chinacridone Gold sowie kühlen Blautönen wie Cobalt und Ultramarine Blues aufgetragen. Für diese Aufgabe wurden zwei Bürsten verwendet: eine flache und eine Nr. 10 Mopp. Die Komposition sollte jetzt das haben, was ich verlorene Kanten nenne. Dies ist eine Mischung aus harten und gemischten Kanten, die dem endgültigen Gemälde einen Glanz verleihen. Beachten Sie, wie die ergänzenden roten Akzente die umliegenden Grüns verbessert haben.
4. Wählen Sie Unsere Grüns
Nachdem ich die erste Lavierung mit einem Wischpinsel Nr. 10 auf die Tür aufgetragen hatte, begann ich, die positiven Formen mit einer dunkleren Mischung aus Kobaltblau und Saftgrün zu bearbeiten. Sie können sehen, wie ich den Rundpinsel Nr. 10 verwendet habe, um die Punkte zu machen. Ich berührte das Papier nur, während ich arbeitete. Es ist wichtig, mit dem Malen der dunkleren Grüntöne zu beginnen, während die erste auf den Hintergrund aufgetragene Lavierung noch feucht ist, da das Ziel darin besteht, weiche Kanten zu erzeugen.
5. Gleichen Sie Die Beiden Aus
Jetzt setzt sich das Gemälde aus den ersten Lavierungen und einigen dunklen Stellen zusammen. Die weißen Bereiche sind dort, wo Sie das Papier durchsehen können. Das gibt dem Gemälde Raum zum Atmen. Ich bevorzuge es, die Farben auf der Seite mischen zu lassen und dennoch weiße Highlights zu hinterlassen. Diese weißen Bereiche reflektieren das Licht und ich möchte sie nicht verlieren. In dieser Phase schaue ich mir gerne mein Bild an und achte auf die Gesamtbalance, damit ich entscheiden kann, welche dunkleren Bereiche fehlen oder ob es an der Zeit ist, der Komposition ein paar weitere Details hinzuzufügen.
6. Zeit, Die Grenzen Zu Ziehen
Hier habe ich begonnen, der Komposition ein paar Linien hinzuzufügen, da sie sehr gute Werkzeuge sind, um die Augen des Betrachters um das Bild herum zu lenken. Dies wurde mit einer Rundbürste Nr. 10 durchgeführt. Ich habe versucht, bei jedem Strich die richtige Farbe und den richtigen Tonwert hinzubekommen. Wenn Sie Ihre Linien nicht mögen, lassen Sie sie trocknen und versuchen Sie, sie einmal zu korrigieren. Überarbeitete Linien können die gesamte Komposition beschädigen, seien Sie also vorsichtig, wenn Sie sie auftragen.
7. Das Laub Kann Trocken Gebürstet Werden
Dieser Schritt wurde mit einem Fächerpinsel Nr. 4 durchgeführt. Diese Art von Pinsel ist in meiner Arbeit sehr wichtig: Mit ihm definiere ich Blätter, Bäume, Gräser, dünne Zweige und sogar einige Blumen, die aus der Ferne zu sehen sind. Dieser Pinsel hat sehr wenig Farbe aufgenommen, also habe ich Ultramarinblau, Sepia und Grüngold verwendet. Der Drybrush-Effekt ist das, was ich versuche zu erreichen, also sollte der Pinsel tropfnass sein.
8. Sogar Die Temperatur
Mit einer runden Wischbürste Nr. 14 und einer Mischung aus Ultramarinviolett, Sepia, Kobaltblau und etwas Alizarin-Karminrot. Manchmal können meine Schatten zu warm sein. Wenn ich mehr Crimson und Sepia verwende, sieht es wärmer aus. Wenn ich das Gefühl habe, dass die Komposition zu warm ist, werde ich versuchen, die Monotonie aufzubrechen, indem ich eine dunklere Schattenfarbe verwende (mehr Ultramarinviolett gemischt). Das nenne ich eine Balance zwischen kühlen und warmen Bereichen. Es schafft Formen und Räume und drängt gleichzeitig zurück.
9. Betonen Sie Die Komposition
Nachdem meine ersten Schichten getrocknet waren, war ich bereit, der Komposition mit einem Rigger-Pinsel Nr. 2 ein paar dünne Linien hinzuzufügen. Wenn ich anfange, einen Rigger-Pinsel zu verwenden, muss ich bereit sein, mein Bild fertigzustellen, da die Linien sehr dünn und stark sein werden, gleichzeitig werden sie Richtungen definieren und Kanten klarer hervorheben. Beachten Sie die Gesamtzusammensetzung. Vermeiden Sie es, am Rand stehen zu bleiben. Auch eine scharfe Linie, die mit einem Riggerbrush erstellt wird, kann geschickt eingesetzt werden, um den Blick des Betrachters auf die wichtigsten Bereiche zu lenken.
10. Tauchen Sie Ein In Die Schatten!
Jetzt ist es an der Zeit, die Hauptschatten hinzuzufügen, die alle Elemente der Komposition verbinden. Ich habe eine Kombination aus Ultramarinviolett und Kobaltblau sowie Sepia und Alizarin-Karminrot verwendet, um mit einem Nr. 12-Wischpinsel Schatten um die Vordertüren zu erzeugen. Meine Schatten sind bewusst stark, da ich das Spiel von Licht und Schatten betonen möchte. Tiefe Schatten sind oft dramatisch und ich liebe es, diese Spannung hervorzuheben, indem ich architektonische Elemente wie Türen und Tore verwende. Denken Sie daran, dass ein Schatten, der auf eine flache Oberfläche fällt, wahrscheinlich harte Kanten hat.
11. Finden Sie Einen Rhythmus
Mit der schattigen Unterstützung meiner Komposition an Ort und Stelle schaute ich wieder auf das Grün um die Tür hier. Mit einer Mischung aus Vermillion und Opera Rose habe ich mit meinem Rundpinsel Nr. 10 kleine rote Punkte kreiert. Diese Mischung aus Rottönen wurde in der gesamten Komposition wiederholt, beispielsweise in den Töpfen an der Treppe und um die Türen herum. Das Wiederholen einer Farbe wie diese ist eine großartige Möglichkeit, einen Rhythmus in einem Gemälde zu erzeugen und die verschiedenen Teile einer Komposition miteinander zu verbinden.
12. Letzter Schliff
Ich beendete mein Gemälde, indem ich Schatten um die helleren, vollständig weißen Bereiche verwendete. Hier kam hauptsächlich das Papier durch. Ich habe einen Rundpinsel Nr. 10 und eine Mischung aus Ultramarine Violet, Sepia und Paynes Grey verwendet. Ich habe hier mit den Negativformen gearbeitet, da ich die weißen Bereiche verstärken wollte, indem ich die stärkeren und kräftigeren Farben um sie herum entwickelte. Passenderweise habe ich meinen letzten Schliff an den Schatten gemacht, die den Mittelpunkt meiner Malerei bilden, das Hauptthema dieser Komposition.
